El Veredicto…’Bright’

Por: Lorenzo Bryce

Bright es la nueva película de Netflix, dirigida por David Ayer, director de ‘Escuadrón Suicida’ y escritor de ‘Día de Entrenamiento’. Está protagonizada por Will Smith cómo Daryl Ward, un policía tan veterano como correcto, y por Joel Edgerton que interpreta a Nick Jakoby, el único policía Orco en su ciudad. Los sucesos de la película pasan en un Los Ángeles paralelo al que nosotros conocemos, donde los humanos conviven con criaturas mitológicas.

La primera impresión que nos da el filme, es que quiere hacer una crítica a las instituciones y sistema Estadunidense o quiere hacer una sátira a la discriminación racial, hasta podemos imaginar que la película va a abrir las puertas a un nuevo universo que nos recuerda a una historia narrada por J.R.R. Tolkien. Pero mientras van pasando los minutos, nos damos cuenta que es una historia (cliché) más del policía veterano y el policía novato.

Hay dos factores por los que se le debe felicitar a Ayer. Número 1: Cómo introduce a personajes; con la excepción de un par, la primera vez que vemos a un personaje en pantalla nos deja claro quién es y que quiere. Número 2. Todo está conectado; mitad de Bright es una secuencia de acción, sin darnos cuenta todo personaje, locación, hasta dialogo tiene que ver con algo futuro o pasado. Otros logros fueron el trabajo de cámara e iluminación y las coreografías de peleas/tiroteos.

Los problemas de Bright comienzan en sus protagonistas. Está claro que la historia quiere poner a Ward (Smith) cómo el héroe principal, pero la actuación de Edgerton es superior a la de Smith. Edgerton es tan magistral que deja en un costado a Smith y en vez de funcionar cómo un protagonista principal se vuelve un Comic Relief. Aparte, Jakoby, es el mejor personaje de la película, solo en él podemos ver una clara evolución de personaje, cumple todos sus objetivos propuestos y siendo un orco es el personaje con dilemas más humanos.

Después de la primera mitad del filme todo empieza a ir para mal. En los primeros 20 minutos, Ayer, nos introduce un mundo mitológico con mucho potencial, pero solo tocan su borde. En la segunda mitad lo dejan completamente de lado, esto siendo lo más fuerte de la historia. La película tiene varias escenas que no afectan en nada, no cumplen el objetivo propuesto en escena y además… ¡Son aburridas!

Lo mismo pasa con los antagonistas de la película, pero no solo son aburridos, tampoco los  conocemos. Ayer, hace un espléndido trabajo para presentarnos personajes, salvo sus villanos. Cómo nunca llegamos a conocerlos, ni entender las razones detrás de sus acciones, perdemos simpatía por ello. Diría que perdemos interés por ellos, pero la verdad nunca los conocemos.

La película sufre serios errores de continuidad en edición. Bright de por sí, contiene mucha acción, por lo tanto es difícil para el editor hacer que todo encaje, se entiende el dilema. Pero se vuelve inaceptable cuando cada 10 minutos hay un salto de continuidad o una repetición de imagen.

Aunque los twists de la película llegan a ser emocionales, son muy obvios. Por lo general se ven venir segundos antes de que pasen, esto hace que la película se vuelva monótona y la audiencia pierda el interés en la historia. Este problema sucede en el climax principal y el twist final de Bright, la película no cumple su objetivo de sorprender a la audiencia con su revelación final.

Bright, es muy interesante. Nos abre la puerta a un nuevo mundo de mitología, pero por errores técnicos y narrativos nos deja sin conocerlo. Definitivamente lo mejor de la película fue la primera mitad antes de entrar al cliché de siempre. Sin duda alguna la película fue una decepción, se esperaba más.

Calificación 2.1 de 5

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‘5 Películas Que Reflejan…la “Anti-Navidad” ‘

Por: Cesar Cortez

Llego Diciembre y junto a ella la festividad de la Navidad que reúne a toda la familia alrededor de una sabrosa cena navideña con pavo, panetón y su taza de chocolate caliente. Por otro lado, la fecha favorita de los más pequeños del hogar porque reciben una montaña de regalos de los padres como de sus demás familiares. Es tiempo de paz y armonía.

Sin embargo, para otros estas fechas son las mas tristes e indeseadas del calendario, ya que solo les provoca un mar de problemas y resentimientos. Lo mas parecido a un “Grinch”. Si eres de estos, que tiene espíritu “anti-navideño”, entonces la siguiente lista de películas va para ti y, porque no, también para los que les gusta la Navidad y desean algo no tan “tradicional”.

 

GREMLINS (1984)

Si bien la película se estrenó en el verano de los Estados Unidos, su historia se ubica en la época navideña y se ha convertido en una infaltable de estas fechas. La historia se ubica en un pintoresco pueblo donde todo parece tranquilo a simple vista pero sus habitantes no lo son tanto, y en esta temporada se dejan notar aún más.

Pero, si ya esto parece problemático, faltaria la cereza en el postre: la llegada de una diminuta y adorable criatura llamada Mogwai, pero apodada “Gizmo” que llegará con sus instrucciones: no mojarlo, no exponerlo a la luz brillante y la mas importante de todas, no darle de comer luego de la medianoche. Si no lo cumples al pie de la letra, el caos dará inicio. ¿Que creen que sucede?

 

SILENT NIGHT, DEADLY NIGHT (1984)

¿Papa Noel convertido en un asesino en serie? Era lo ultimo que se les ocurria a los productores en 1984 para su siguiente pelicula de terror, en pleno furor del cine slasher. Esta idea no gusto a muchos, en especial a los padres de familia que boicotearon el filme protestando fuera de los cines, ya que habian tomado a un ser puro y angelical convirtiendolo en una mala imagen para los niños de la epoca.

Mucho tiempo ha pasado de este episodio y ‘Silent Night, Deadly Night’ se ha convertido en una abanderada del cine de terror al centrar su historia en la época navideña. Algo retorcida eso si, pero se ha ganado el “cariño” de muchos.

 

KRAMPUS: EL TERROR DE LA NAVIDAD (2015)

Si Papá Noel es el símbolo de la Navidad, ¿Cuál será entonces el símbolo de la anti-Navidad? Pues lo contrario, un Papa Noel diabolico que hará pasar no una blanca, sino una negra Navidad, como es el caso de la historia de una familia disfuncional, que trata por todos los medios de funcionar como una buena y respetable familia, pero salen a la luz problemas y demas cosas que convierten la noche de Navidad en una verdadera pesadilla.

Una presa fácil y sencilla para “Krampus: El demonio de la Navidad”.

 

INSTINTO SINIESTRO (2008)

Una mujer embarazada, que ha enviudado recientemente, no quiere saber nada con la Navidad, y solo se encierra en su casa ubicada en un barrio suburbano a pasar la noche. Con lo que ella no cuenta, es que alguien vendrá a visitarla con el fin de robarle al hijo…..¡Que lleva en su vientre!

Lo que sigue sera un festín de cuchillazos y salpicaduras de sangre por doquier. Lo que si es un hecho es que el color rojo, uno de los colores simbólicos de la Navidad, no faltara en la historia.

 

DURO DE MATAR (1988)

Lo unico que queria el oficial John McClane era pasar una Navidad tranquila al lado de su familia que vive en Los Angeles. Sin embargo, primero debe hacer una visita a su esposa en el edificio donde trabaja, pero además no contara con que también se hará presente un grupo terrorista que tomara el edificio por asalto para cometer sus fechorías. Ahora el se vestiría de héroe y tratará de hacer todo lo posible para que eso no suceda, y para lograrlo, primero tiene que sobrevivir al intento.

Sin duda una infaltable y clásica cinta para esta festividades, aunque muchos aún no la acepten. ¿Acaso hay alguna discusión?

 

 

El Veredicto…’Star Wars: Los Últimos Jedi’

Por: Lorenzo Bryce

Star Wars: El Último Jedi fue estrenada a nivel mundial la semana pasada, está fue escrita y dirigida por Rian Johnson, director de las películas independientes ‘Looper’ y ‘Brick’, también de tres capítulos de la aclamada serie de televisión ‘Breaking Bad’. La historia del  episodio VIII, sigue los sucesos de ‘Star Wars: El despertar de la Fuerza’. La película es protagonizada por Daisy Ridley (Rey), Adam Driver (Kylo Ren), Mark Hamill (Luke Skywalker) y Carrie Fisher (Leia Skywalker).

Lo primero que se debe entender antes de juzgar una película dentro de la saga de Star Wars es que su Fandom es tranquilamente el más diverso que conocemos. Ha habido episodios estrenados en el 77’, 80’, 83’… 99’, 02’, 05’… 15’ y 17’. Star Wars tiene por lo menos 3 generaciones distintas de fanáticos. Esto causa el mayor dilema a cualquier cineasta que desee hacer una película dentro de esta saga: satisfacer a todos. Por esta razón ‘El despertar de la Fuerza’ siguió la fórmula de ‘Star Wars: Una Nueva Esperanza’ y se mantuvo tan fiel a la mitología de Star Wars.

Respecto a Los Último Jedi… aunque hay momentos similares a ‘El Imperio Contraataca’ podemos decir que Johnson, no siguió la fórmula exacta de tal… más aún, hubo partes que extendió (o rompió) la mitología clásica de Star Wars. Si miras el Episodio VIII cómo una película y no como una película de Star Wars, felicitaríamos a Johnson por tratar de innovar y salir de lo convencional. Pero cuando explotas lo que pensamos que se puede hacer con “La Fuerza”, aparte nos sorprende con quien la explota, va a ser lo más controversial del filme.

Una fórmula que sigue Los Último Jedi es comenzar con una batalla espacial. Pero esto se baja cuando esta persecución está llena de chistes, plots y twists vagos e infantiles. Puede que esta escena le divierta a la nueva generación de seguidores de Star Wars, pero se vuelve denso cuando pasa en al inicio.

Con una duración de 2h 32min, el filme  tiene serios problemas de ritmo. El arco de Finn (John Boyega), DJ (Benicio Del Toro), y Rose (Kelly Marie Tran)  en Canto Bright, esta demás. Aunque el mensaje final de este arco nos dice realidades ocultas de la galaxia, parece que su verdadero objetivo es darles tiempo en pantalla a los actores mencionados. Este es el punto más bajo del filme.

El CGI nos deja sin palabras, puede que El Último Jedi se lleve un Oscar por eso. La película tiene Easter Eggs que va a entretener a los fanáticos de Star Wars por años. Hay cameos de personajes originales que van a ser llorar a muchos. Pero por lo que sales aplaudiendo de la sala es el Score de John Williams, otra vez se lució. En especial en “La Batalla de Crait”, toda la escena vas a tener los pelos punta por el mítico trabajo del señor Williams.

El toque del director se ve en la manera de cómo se presenta la historia. La edición por lo general es rápida y precisa. Las secuencias de peleas de Sables de Luz son con planos abiertos y casi estáticos. En general, el lenguaje audiovisual es más que placentero.

Sin duda alguna lo mejor de la película fueron las actuaciones de Daisy Ridley, Adam Driver y Mark Hamill. Los personajes Rey y Kylo Ren no siempre tienen claros sus objetivos, por sus dilemas morales. Ambos personajes tienen un arco final claro y lógico. Quien se lleva el premio es Hamill, cada vez que sale pantalla la película se supera a sí misma. Vemos a un Luke Skywalker conflictivo, lleno de problemas existenciales e internos, en su mayoría es un opuesto a Yoda en el Episodio V, pero su personaje evoluciona y su objetivo final llega a satisfacer a la audiencia.

Los Último Jedi será recordado cómo el episodio más controversial. Aunque gran parte de los fans se sientan traicionados por el uso de “La Fuerza”, muchos van a agradecer a Rian Johnson por salir de lo convencional y apreciar la película por lo que es, una gran odisea espacial.

 Calificación: 3.9 de 5

El Veredicto…’Coco’

Por: Luis Augusto Venegas Gandolfo

Cabe resaltar que esta película de Pixar me ha costado tiempo en analizarla. No solamente por los conceptos que proponen en su historia, sino por el valor que se tiene sobre la importancia que es la familia y los sueños que uno tiene en el camino de la vida.

Esta película la tomo como propia. Una historia que, aún haya sido contada en muchas películas de Pixar y en otros estudios, muestra elementos tan intensos que no dejamos de mencionar el título con un poco de nostalgia, pena, unión y amor  a los seres queridos.

He tenido la oportunidad de conocer México y, aunque no he estado tanto tiempo allí, puedo aceptar que muchos valores y costumbres son muy típicos del lugar. El personaje principal, Miguel Rivera, tiene el sueño de ser como el más grande músico (Enrique de la Cruz) sin embargo su familia, tras un rechazo a la música durante generaciones, le prohíben e insisten en que continúe con la tradición de hacer zapatos y “chanclas”.

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Ante este hecho, el personaje sufrirá conflictos en saber si lo más importante es lo que dicta su corazón acerca de sus sueños o la familia. La historia no nos sorprende a simple vista, sin embargo los acontecimientos previos y del rededor brindan la magia de todo este básico concepto.

El primer hecho, es el sueño de la bisabuela de Miguel, una mujer de muy avanzada edad. que al no tener la mente muy lúcida, sigue esperando la llegada de su padre que se fue de su hogar cuando ella era muy pequeña. Como sabemos, este es el punto más fuerte de la historia y que, en realidad, la película se centra en este hecho (la bisabuela se llama Socorro, apodada “Coco”… ya sabemos por dónde irán nuestras lágrimas).

Adicionalmente, esta historia sucede durante el “Día de los Muertos”, donde en muchos pueblos de México lo celebran de una manera particular (obviando algunos extremos que no se pueden presenciar en un film para niños). La historia va en este viaje entre un mundo de vivos al de muertos, donde Miguel encontrará la raíz de su amor a la música y el origen del odio a ésta por parte de su familia “viva”.

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La película tendrá elementos de la cultura mexicana; desde sus creencias y tradiciones en el día de los muertos, los espíritus animales que son guardianes en este mundo, la música y filmes (Música de banda, referencia de la serie “La novicia voladora”, etc.) que son parte de éste país, y grandes personajes en la historia (Frida Kalho, Pedro Infante, El Santo, etc.).

Por otro lado, la historia tiene ciertas similitudes con la película “El libro de la Vida” (2014), donde hay una lucha entre los sueños y los deseos de la tradición familiar (elegir en ser músico o ser un torero). Otra de estas similitudes, es que los sucesos también suceden en el mundo de los muertos, por lo que algunos espectadores pueden pensar que es lo mismo con Coco. Sin embargo, el contenido de esta película de Pixar sorprende en su dedicación por la cultura mexicana y el elemento “sentimental” que rompe hasta al corazón más duro.

La iluminación y la atmósfera de esta película son espectaculares, siempre remarcando al mundo de los muertos más “vivo” que el real (recordando al “Cadáver de la Novia” con este hecho). La musicalización y efectos sonoros tienen un efecto muy nostálgico para los que conocen México o han tenido un contacto con éste país.

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En el caso del modelado y el shading, los personajes no resaltan tanto como “Mamá Coco”, que tiene un gran detalle en el rostro (en especial en los párpados y en los ojos) superando sin dudar a Carl Fredricksen en ‘UP’ (2009). El rigging de los personajes, en especial de Héctor (uno de los muertos  “olvidados”, pero esencial en la película), poseen una gran flexibilidad y control sobre todo el cuerpo, proponiendo nuevas ideas y habilidad en el actuar.

Sin duda, una película imperdible para nuestros ojos  (y nuestros oídos) y que nos deja un mensaje profundo en nuestro corazones. Esta película llega directamente a mi experiencia como animador y por haber sido nieto de una mujer tan amorosa y valiosa como lo fue mi abuela.

“Tatita”, siempre tendré en cuenta todo lo que me contabas y lo mucho que valorabas a la familia. Yo también seguiré el camino que hemos tenido presente gracias a ti: “Estar siempre unidos”.

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Calificación: 4.8 de 5

Clips: ‘La Forma Del Agua’

Por: Cesar Cortez

La Forma del Agua, la nueva película de Guillermo del Toro, se ha convertido en una de las máximas atracciones cinematográficas de este fin de año, y es que esta versión madura de “La Criatura del Lago”, posee una magia como muy pocas veces se le ha inducido a un filme de corte fantástico o nacido de las historias de terror.

Este gran reto se ha visto recompensado en las nominaciones de los diferentes sindicatos de críticos, obteniendo premios tanto para sus protagonistas como para la parte de la producción. Actualmente, se encuentra nominada a los premios del Globo de Oro y al SAG, siendo estas las que le abren las puertas a la gran ceremonia del cine que es el Oscar.

Mientras esperamos su llegada a nuestros cines, podemos deleitarnos con algunas clips extraídos de esta esperada y fantástica cinta.

El elenco lo integran Sally Hawkins, Octavia Spencer, Michael Shannon, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg y Doug Jones.

El estreno será el 22 de Febrero del 2018.

‘La Forma del Agua’ lidera las nominaciones a los Critics Choice Awards

Por: Cesar Cortez

Una confirmación más que el 2017 fue un gran año para el cine de terror y cine fantástico, son las recientes nominaciones que han obtenido estos géneros en los Critics Choice Awards, a celebrarse el 11 de Enero del 2018. La aclamada película ‘La Forma del Agua’ de Guillermo del Toro, lidera la competencia con 14 nominaciones. Todo un logro.

A continuación les dejamos los nominados de nuestros géneros favoritos: horror y ciencia ficción.

 

La Forma del Agua – (Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Actor de Reparto, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Película Scifi, Mejor Guion, Mejor Vestuario Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Producción, Mejor Edición, Mejor Maquillaje, Mejor Efectos Especiales, Mejor Música Original)

 

Huye (Get Out) – (Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Director, Mejor Película de Terror, Mejor Guion)

 

 Blade Runner 2049 – (Mejor Película Scifi, Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Producción, Mejor Vestuario, Mejor Efectos Especiales, Mejor Música Original).

 

Logan – (Mejor Actor de Reparto, Mejor Actriz Joven, Mejor Película de Acción)

 

La Mujer Maravilla – (Mejor Película de Acción, Mejor Vestuario, Mejores Efectos Especiales)

 

Thor: Ragnarok – (Mejor Película de Acción, Mejor Actor de Comedia, Mejores Efectos Especiales)

 

– It – (Mejor Película de Terror)

El Veredicto…’Estación Zombie: Seúl’

Por: Cesar Cortez

En el 2016 fui testigo de un filme llamado ‘Estación Zombie’ (Train To Busan), un experimento más, esta vez desde Corea Del Sur, dentro del ya condensado mundo zombie (que parece no tener techo) que resultó ser una gran sorpresa por la propuesta que puso en escena: un grupo de personas logra escapar de una horda de muertos vivientes y se refugia dentro de un tren en movimiento, orando para que esto solo sea un mal sueño.

Sin embargo, cuando esta salió a la luz, descubrí que existía un filme animado llamado Estación Zombie: Seúl (Seoul Station), que no es otra cosa que la precuela de la cinta anterior, también dirigida por Sang-ho Yeon, pero luego de verla, no le daría ese rótulo y es que más parece un spin-off de ‘Estación Zombie’, porque no revela cómo nace el brote que convertirá a todos en caníbales sedientos de sangre. Por otro lado, lo que si refleja es que la imagen de nuestra sociedad, ya sea occidental u oriental, presa de la indiferencia y que solo actúa cuando la situación es, realmente, grave.

Estación Zombie: Seúl, no es mejor que ‘Estación Zombie’, y es que esta última nos presentaba a un grupo de personas dentro de un tren en el que uno podía percibir la claustrofobia, el miedo y, porque no, la falta de fe de alguno de ellos al ver que estos vagones y sus estrechos pasillos es lo única que los mantiene a salvo del apocalipsis que se vive en las calles. Lo que difiere con Estación Zombie: Seúl porque esta se desarrolla en la ciudad, y nos pasea por muchos lugares, sin concentrarse en uno específico en la que somos testigos de cómo todo se viene abajo, pero dejando en el aire preguntas como ¿Qué causó esta enfermedad? O algo por el estilo.

Sang-ho Yeon no solo cuenta el brote zombie en los cien minutos que dura su película, sino que entrelaza una historia donde vemos las diferencias sociales que se viven en el país asiático, como es el caso de los mendigos que son tratados como parias o como un lastre para el desarrollo y no son tomados en cuenta. En realidad, esto calza también en cualquiera de los países, pero el mensaje del director, que es algo que vimos también en ‘Estación Zombie’, es que la raza humana, muchos de ellos, son egoístas cuando las cosas van bien y a veces es mucho peor cuando estas van mal, ya que la salvación de uno mismo es lo principal antes de ayudar a los demás. Si ayudas a otros cuando debes hacerlo solo a ti mismo, eres un tonto, pero también ese tonto puede ser visto como héroe si empleas lo mejor que tiene, ya que su respuesta puede ser vista como esperanza, algo que actualmente no se ve muy seguido.

Lo que me llama la atención del metraje es por qué no se arriesgó mas en escenas, considerando que este es un filme animado, como por ejemplo en haber dibujado a los zombies más sangrientos o cuando estos atacan, ser un poco más viscerales. Si bien se les ve pálidos y tienen las características ya conocidas, no se les mostro tan sanguinarios como en otras versiones (lo siento, quería ver el gore) como si fue expuesto sin ir muy lejos en ‘Estación Zombie’. Puedo deducir que, tal vez, el director no quiso centrarse en este tema y que su producto fuera visto solo como uno más al mostrar litros y litros de sangre, sino reflejar más el aspecto humano explicado líneas arriba.

El resultado que arroja Estación Zombie: Seúl es que queda detrás de ‘Estación Zombie’ (Train to Busan) por el casi hecho de no manejar la esencia de lo que es un filme zombie (sangre y vísceras) sino mostrar el aspecto de la sociedad en su más baja expresión. Esto, obviamente, es solo una parte ya que la tensión y el miedo puede notarse en las solitarias y silenciosas calles que son testigos de la caída de la humanidad y que, a pesar de todas las advertencias y consejos que nos puedan dar, aun no estamos listos para enfrentarnos a la cruda verdad. Nos falta mucho como personas.

Calificación: 3.3 de 5