El Veredicto…’Línea Mortal: Al Límite’

Por: Cesar Cortez

En 1990, el director Joel Schumacher llevo al cine ‘Línea Mortal’, historia presentaba a un grupo de estudiantes de medicina quienes experimentan lo que es ser “Dios” cuando empiezan a retar a la muerte para luego revivir y contar su experiencia. Si bien el filme, no es nada del otro mundo (hay que ser honestos) al menos tenía una trama interesante y original para la época, además de contar con un elenco conformado de futuras grandes estrellas como Kiefer Sutherland, Julia Roberts, Kevin Bacon, Oliver Platt y William Baldwin.

Veintisiete años después, en plena moda de remakes, reboots y cuanta denominación exista, se ha estrenado Línea Mortal: Al Límite, filme que explora exactamente los mismos lineamientos que la original pero al estilo del siglo XXI. Sinceramente, no sé si alguien pedía a gritos que se hiciera una revisión de este filme, pero asumo que debe ser porque se le considera una película de culto y no es un mainstream como otros títulos. Aunque por otro lado, a Hollywood no le interesa si el público la recuerda o no, porque el único fin es recaudar la mayor cantidad de dinero que se pueda en la taquilla. Punto.

Volvamos a lo nuestro. Esta vez la dirección está a cargo del danés Niels Arden Oplev, del que esperaba mucho de el para esta realización porque es el mismo que nos entregara en el 2009, la versión original de ‘La Chica del Dragón Tatuado’, pero el resultado final dista mucho de lo que nos podemos imaginar. Esta vez tenemos, igualmente, a cinco jóvenes aspirantes a doctores, quienes compiten uno con el otro en sus prácticas en el hospital para saber quién es el mejor. De pronto (como si un rayo le hubiera caído encima), uno de este grupo tiene la “idea” de experimentar que se siente morir y revivir para contarlo. No obstante, no puede hacerlo sola y reúne a sus mejores amigos para realizar dicho experimento. Si bien no hay complicaciones en su “regreso”, la parte negativa es que traerán un serio problema en sus vidas cuando empiecen a ver alucinaciones y cosas del tipo paranormal con las que tendrán que lidiar, que no es otro cosa que un grave episodio que tuvieron en el pasado.

Vayamos por partes. La producción, al igual que el filme original, opto por colocar estrellas jóvenes ya consolidadas o en vías de serlo como la nominada al Oscar Ellen Page, el mexicano Diego Luna, Nina Dobrev, James Norton y Kiersey Clemons. A diferencia de los anteriores, que todos eran solo estudiantes, estos están cursando sus últimos periodos en medicina y realizan trabajos en un hospital local. Pero aquí es donde se rompe el cordón, cuando Courtney (Page) desea experimentar “que se siente estar muerto” pero no lo quiere hacer sola y miente a sus amigos para verse en un lugar secreto y luego se dan cuenta que forman parte del capricho de esta. ¿Qué hubiera pasado si decían no? Por supuesto que ahí se acababa la película pero deciden asistirla luego de algunos breves impedimentos. Aquí es donde difiere de la versión original donde Todos sabían de qué se trataba y que es lo que querían conseguir.

En realidad, no se sabe el móvil del porque se empieza a jugar con la muerte. No hay una pista, pero deduzco cual es pero no quiero spoilear, pero aun así no me parece dable. Pudo recurrir a otros métodos para hacerlo, como un psicologo por ejemplo, pero si el guion dice que así debe ser, hay que seguirle la cuerda. En realidad, no se siente el apego por ninguno de los protagonistas, ni siquiera luego de saber su oscuro secreto, algunos de ellos ridículos, que tanto les agobia. No te quedas con nadie en realidad, tal vez con Diego Luna por ser el único racional de este grupo.

Sony dijo en un principio que esta se trataba de una secuela y no de un remake, pero luego de verla tengo que darles la contraria, ya que no hay una conexión que la coloque como tal, ni siquiera la presencia de Kiefer Sutherland, y es que en un momento pensé que se iba a mezclar con el grupo pero no sucede nada de nada, sino más bien fue una especie de homenaje para él.

Línea Mortal: Al Límite es una película que fue hecha solo por el afán de hacer remakes sin sentido de películas pasadas. Si bien, para los que no saben nada de la versión de 1990, puede parecerles atractiva, porque tiene sus momentos, otros sin embargo rozan lo inexplicable porque en realidad no crees lo que estás viendo. Aquí si cabe el término “tienes que ver la versión anterior y luego hablamos del tema”.

Calificación: 2.6 de 5

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El Veredicto…’7 Deseos: La Caja de la Muerte’

Por: Cesar Cortez

Siendo niños, imagino que casi todos, descubrimos un cuento llamado “Aladino y la lámpara maravillosa”, la que  nos dice, quien la poseía era merecedor de concederle tres deseos. Uno crece, y en algún momento nos quedamos pensando si de darse que sería lo que pediríamos. Esta idea es, más o menos, lo que pretende darnos la cinta 7 Deseos: La Caja de la Muerte (Wish Upon), la que, cuyo título pregona, los deseos no serán como uno lo imagina.

Claire Shannon (Joey King), es una adolescente que le cae bien a sus vecinos pero en la escuela hay un grupo que se burla constantemente de ella. Un día su padre, quien trabaja de reciclador, le obsequia una “caja musical”. En principio parece inofensiva, pero al descubrir más de ella, Claire se da cuenta que esta le concederá siete deseos. Como es lógico, empezara a pedir cosas superficiales propias de la edad, pero con lo que no cuenta, es que con cada pedido, alguien cercano a ella, sea familiar o amigo, sufrirá una muerte irremediable.

El director John R. Leonetti, quien fuera responsable también de la irregular ‘Annabelle’, no entra en rodeos y va directo al punto, porque sabe que el público ha pagado su entrada para ver las graves consecuencias de  cada deseo. En realidad esto es tanto un problema de guion como de director, porque esto conlleva a que los personajes no se desarrollen como debe ser. Por ejemplo, al principio asistimos a la muerte de la madre de Claire cuando esta era solo una niña, lo que a otro le dejaría secuelas o seguiría atormentándose por el recuerdo, pero esa secuencia es anulada y pasamos a verla convertida en toda una joven y viviendo las típicas cosas de una adolescente. Un argumento muy vacío. Sinceramente, Leonetti debería seguir permaneciendo como director de fotografía, función que la desempeña muy bien y pudo verse en títulos como ‘El Conjuro’, o si vamos más atrás, en ‘La Máscara’.

Se nota que los involucrados estuvieron viendo los filmes de ‘Destino Final’ para elaborar las diferentes secuencias de muertes, pero lo malo es que en su afán por convertirla en una cinta PG-13, dichas escenas no fueron muy gráficas y solo notamos como van pero no vemos el acto final, el morbo del asunto, algo que si se notaba en las cinco entregas de la mencionada película. Esto al menos le hubiera dado un realce pero, claramente, ese no era el objetivo o no lo tuvieron en cuenta, pero de lo que si estoy seguro es que este recurso hubiera funcionado mejor. Las situaciones de las muertes tampoco son muy creativas que digamos pero ver el desenlace hubiera sido gratificante.

Los actores, el 85% jóvenes, aún no han llegado a un cierto grado de madurez, lo que es un problema de falta de mano del director para volverlos creíbles. Ni siquiera Joey King, solo en algunos pasajes, sostiene el producto. En su caso, hacer esta cinta le cae como anillo al dedo, porque puede disfrutar del rol protagónico a placer, pero aun es una actriz en crecimiento y tiene que conseguir papeles donde pueda explotar su capacidad, sino será una integrante más de la larga lista de jóvenes que se quedaron encasillados en películas juveniles o cintas de terror de bajo presupuesto y muy difícil de recordar, como es este caso. Sigue estando unos peldaños por debajo de actrices como Chloe Grace Moretz o Isabelle Fuhrmann, recordada por su papel en ‘La Huérfana’.

7 Deseos: La Caja de la Muerte va camino a convertirse en una cinta de serie B o C, porque dudo que muchos la recuerden cuando se toque hablar de ella, si es que sucede. Su trama es muy previsible, inclusive sin ver el final uno se imagina como resultara, por lo menos a mí no me sorprendió. ¿Acaso los productores tuvieron mucha fe en ella como para estrenarla en cines y no ir directamente al mercado del video? Es una pregunta que dejo flotando en el aire…y si desean contestarla son libres de hacerlo.

Calificación: 2.5 de 5

El Veredicto…’Feliz Dia De Tu Muerte’ (Happy Death Day)

Por: Cesar Cortez

En 1992, Bill Murray protagonizo ‘Hechizo del Tiempo’ (Groundhog Day) en la que interpretaba a un excéntrico reportero que un día ve como el mismo lo vuelve a vivir una y otra vez hasta que descubre la razón y lo resuelve y así continuar con su vida. Si bien, han pasado 25 años del filme, el cine de terror logra coger esta premisa y fabricar una película, si bien para nada original, pero simpática en su narrativa bajo el título de Feliz Día de tu Muerte.

La trama nos presenta a Tree Gelbman (Jessica Rothe), una joven egocéntrica y egoísta, quien es una de las chicas más populares de su universidad, despierta en el dormitorio de un muchacho luego de una buena noche de fiesta. Este día, además de ser su cumpleaños, transcurre como cualquier otro, ella asistiendo a sus clases y juntándose con sus amigas de la fraternidad que son tan o igual de odiosas pero populares en el campus. Sin embargo, este día tendrá un ingrediente para nada agradable, ya que alguien se ha planeado asesinarla teniendo como referencia solo una máscara de bebe en el rostro. Lo paradójico de esta situación es que luego de morir, ella vuelve a revivir el día y recordando paso a paso lo vivido y, siendo víctima nuevamente de su asesino. Los días se vuelven a repetir y su plan es encontrar a su asesino y así dar por terminado este trágico día y continuar con vida de una vez y para siempre.

Como pueden ver, la sinopsis lo dice todo, y si han visto películas como la mencionada ‘Hechizo del Tiempo’ o, por mencionar algo más reciente, ‘Al Filo del Mañana’, no hay mucho que agregar. Las similitudes, por ejemplo con “Phil”, el personaje de Bill Murray en ‘Hechizo…’ con Tree, son casi similares. Ambos son egocéntricos y se creen el centro del universo, sin importarle mucho los demás, hasta que viven este evento y se dan cuenta de quién son en realidad y, a la vez que tratan de descifrar porque han sido “escogidos”, cambian su modo de ser y se vuelven mejores personas.

Este tema, para el género, es muy original, y lo anecdótico de esto es que haya pasado tanto tiempo para hacerla realidad, pero creo que llega en un buen momento. El filme, si lo tengo que poner en una categoría del terror, es un perfecto slasher, ya que tenemos a una chica, para nada inocente y virginal como víctima, la figura paterna es casi nula, los adultos como los profesores de la universidad solo aparecen en las clases, la policía ni existe y el asesino utiliza una singular mascara con rostro de bebe para acechar a su víctima utilizando una serie de accesorios para cada muerte, lo cual para mí fue muy atractivo de ver. Me gustaría ver a “cara de bebe” (derechos reservados) en otro filme. Lo digo en serio.

El director Christopher Landon acierta con este filme al saber combinar el terror con la comedia como bien lo supo hacer en su producción anterior llamada ‘A la M… Con Los Zombis’, además de mantener un cierto estilo que hace que la película sea para todo público y no solo para los amantes del terror, porque si bien hay diferentes clases de muertes por parte de Tree, estas no llegan al punto de ver vísceras ni ríos de sangre, sino que muchas de ellas son muy atractivas (artísticamente hablando).

Feliz Día De Tu Muerte no es una película que una la recordara fácilmente, ya que tiene los elementos para ser considerada una cinta de culto, pero si cumple con su idea de pasarla bien, y si es con tu pareja o grupo de amigos, lo será aún más.  La curiosidad por ver como muere la protagonista cada día no tiene precio.

Calificación: 3.3 de 5

John Carpenter ha hablado sobre la linea temporal de la nueva película de ‘Halloween’

Por: Cesar Cortez

John Carpenter, nuevamente, ha salido a la palestra con respecto a la nueva película de HALLOWEEN que él esta produciendo además de estar detrás de la música, y tal parece que trae una gran novedad acerca de la linea temporal de la historia.
 
Según los primeros reportes, tanto David Gordon Green como Danny McBride, director y escritor del filme respectivamente, habían anunciado que la trama se ubicaría luego de los acontecimientos vistos en ‘Halloween 2’ de 1981, pero hoy Carpenter ha soltado una bomba y ha dicho lo siguiente:
 
“No se como describirlo. Es casi como una realidad alternativa. Se ubicará luego de la PRIMERA película ignorando todo lo que vimos después. Será algo divertido. Tenemos un gran equipo detrás, un buen director y el guion ya está listo y he quedado impresionado.”
 
Me quedo con lo último. Te tomo la palabra maestro.
 
Por ahora solo se sabe que Jamie Lee Curtis volverá a interpretar a Laurie Strode mientras que aún no se sabe si Judy Greer hará el papel de su hija, Karen Strode.
La cinta se estrenará el 19 de Octubre del 2018.

El Veredicto…’Blade Runner 2049′

Por: Cesar Cortez

El director Denis Villeneuve ha demostrado con obras como ‘Prisioneros’, ‘Sicario’ (que tal película) y la multi-elogiada ‘La Llegada’, que estamos ante uno de los realizadores más importantes de la actualidad. Sin embargo, cuando salió a la luz que él se iba a encargar de dirigir la secuela de ‘Blade Runner’ titulada Blade Runner 2049,  haya sido el u otro, iba a llevar a cuestas una mochila muy difícil de cargar, especialmente en nuestra época donde los remakes, reboots y tantas otras denominaciones que han salido son el pan de cada día y la mayoría no sale bien parada, debo decir, en primer lugar, que su elección ha sido la más acertada.

Si recordamos un poco lo que sucedió en 1982 cuando ‘Blade Runner’ se estrenó, el filme pasó desapercibido por las salas, por una simple razón: ‘E.T.’ se había estrenado semanas antes y todo el mundo estaba enamorado del extraterrestre. Las críticas contra ‘Blade…’ tampoco fueron las mejores, como los casos de los renombrados Leonard Matlin y Roger Ebert, quienes coincidieron que lo único bueno eran sus escenarios y los efectos revolucionarios que se utilizaron. Afortunadamente, en 1992 se estrenó la versión del director y fue ahí donde se cobró su revancha y los mismos que le bajaron el pulgar, la vieron con otros ojos y la revalorizaron, a tal punto que hoy es una de las obras de ciencia ficción más importantes de la historia del cine.

Villeneuve sabía lo que tenía entre mano: un monstruo que había que domar y ver que podía ofrecer ahora esta obra, ya que además tenía que estar acorde a los tiempos. La historia evolucionó al igual que la vida misma, y lo primero que tenemos en mente es ver como fue el diseño de los escenarios, con unos acabados estupendos donde cada detalle está bien trabajado. Pero esto no es todo lo que se debía plasmar sino una historia que siguiera a su predecesora, pero ¿Por dónde empezar? ¿Cómo plasmar la vida de los humanos y los replicantes luego de 35 años? ¿Qué se debe hacer?

Esta respuesta estaba en manos de los escritores Hampton Fancher, quien estuvo en la primera película y de Michael Green, quien tuvo a su cargo un par de obras que vimos este año: ‘Logan’ y ‘Alien Covenant’. Estos plasmaron que la vida como se conocía en ese 2019, se extinguió luego de un gran apagón, haciendo las cosas inservibles, y luego todo eso quedaba atrás para iniciar de nuevo. Otros replicantes aparecen, con nuevas directivas, al igual que la tecnología, pero la pregunta que algunos “replicantes” se hacen es si ¿Somos humanos? Y si no ¿Qué somos? Es una simple respuesta a una pregunta sencilla. La pieza del rompecabezas que nos falta completar.

En este instante es donde entra en escena K (Ryan Gosling) un “portapiel”, o Replicante si alguien se ofende, que está detrás de aquellas Replicas que quedaron “vivas” luego del apagón para apagarlos definitivamente. A medida que pasa la historia vamos conociéndolo cada vez más hasta que entra en las vicisitudes dichas en el párrafo anterior. Desea vivir como alguien normal pero algo se lo impide, algo lo perturba y debe saber la verdad, y esos indicios lo llevan hacia el retirado Rick Deckard (Bien interpretado por Harrison Ford), quien vive en un lugar desolador porque el mundo ha decidido retirar aquello que ya no le sirve o lo utiliza como vertedero de basura, como lo hace con una famosa ciudad. ¿Es el al final de cuentas esa pieza que falta o solo es una intuición?

Villeneuve entonces nos presenta una historia, un poco larga tengo que decirlo, pero necesaria porque el, a diferencia de Ridley Scott, no nos presenta una cinta de acción (que aquí también hay no se preocupen) propiamente dicha, sino que el busca en la raíz de las cosas cómo explicar la vida y que hay detrás de todo ello. Si bien, Villenueve desarrolla las cosas pausadamente, deja aún flotando otras que, al igual que la cinta anterior, uno las debe descifrar. Las tenemos que descubrir, dependiendo de nuestro ingenio y nuestra curiosidad.

Blade Runner 2049 no es una cinta cualquiera de ciencia ficción, incluso me animaría a decir que hay que ver la primera para entenderla, y es que un aspecto que salta a la vista es la comparación de ambas películas. La de 1982 tiene más movimiento y más acción, mientras que esta tiene poca acción y es profunda en su narrativa, lo que a veces eleva más el producto, ya que eso que vimos y no lo pudimos entender, se nos queda en la mente y eso hay que descifrarlo.

Villeneuve ha hecho un buen trabajo y se ve que le costó, pero valió la pena y auguro que tendrá su recompensa en los Oscar al menos en la parte técnica como la decoración, efectos especiales, diseño o fotografía. Para finalizar, la película refleja un lamentable aspecto de nuestra vida, y es que si bien hemos avanzado al mismo tiempo hemos retrocedido, al convertirnos en una especie de “replicantes” al servicio de un líder llamado “celular”, o “Ipad”, al crear una vida alejada de la realidad. A veces somos individuos sin almas o mejor dicho, somos almas tecnológicas.

Calificación: 3.9 de 5

El Veredicto…’¡Madre!’

Por: Cesar Cortez

Muy pocas veces (creo), he salido del cine confundido luego de ver una película, y es que toma un poco de tiempo digerir qué es lo que Darren Aronofsky ha querido hacer con ¡Madre!, su más reciente película. Luego de meditar un poco al respecto, en primer lugar es una película que no es para todos definitivamente, tienes que tener la mente bien abierta, la puedes amar u odiar dependiendo tu estado de ánimo o las ansias que te provoca verla. En realidad, un sancochado de emociones.

La historia se ubica en una casa ubicada en medio de un bosque habitado por una pareja de esposos, reflejando que quieren estar apartados de todo contacto físico o sucumbir al ruido de la ciudad, en la que EL (ningún personaje tiene nombre propio) es un poeta que busca la inspiración de su próxima obra y ELLA se dedica a restaurar la casa. Sin embargo, un día llega un hombre que congenia rápidamente con EL, y al día siguiente llega una mujer que resulta ser la esposa de este hombre. Para EL su presencia es reconfortante y para ELLA es la interrupción de su paz y armonía. Tal parece que esta visita es la respuesta que necesitaba EL para hacer realidad su nueva obra. Caso contrario piensa ELLA, ya que luego de esto se iniciara el infierno en su vida.

Lo llamativo del filme es que todo se desarrolla dentro de la casa, dando un aire de claustrofobia y es que para Aronosfky este es el centro donde convergen los bueno y lo malo, donde la paz se ve sacudida por el caos y, el fanatismo por la religión, la adoración a los cultos, es decir, todos los bajos deseos que posee una sociedad que va camino a su propia destrucción (el último cuarto del filme es la peor pesadilla que puede vivir una persona). Cuando se anunciaba las noticias sobre el filme, muchos empezaron a mencionar que esta historia tendría relación con ‘Él Bebe De Rosemary’, que la tiene en ciertos momentos, pero no gira alrededor de esta. Otra cosa que llama la atención es que Paramount haya destinado unos treinta millones de dólares en su realización, porque tiene todo para ser considerada una obra independiente. Tal vez haya sido el hecho que la “hayan” vendido como un filme de terror, que de terror no tiene nada por cierto, pero si podría considerarse un thriller psicológico (al menos eso es lo que pienso).

Aronosfky contó con un reparto lleno de estrellas destacando en primer lugar a Javier Bardem, como este poeta que necesita una “gran” motivación para seguir adelante. Necesita ser deseado, que lo idolatren y eso no lo puede conseguir solo de su esposa (tendrán que verla par saber a que me refiero). Jennifer Lawrence esta correcta como la esposa de Bardem. Se ve como sufre, se desespera, como se quiebra su paz que tanto desea y como pierde su autoridad, aunque admito que unas buenas bofetadas no le hubieran caído mal para ver si así reacciona ante el atropello que le estaban causando sus visitantes. Ya que hablamos de los visitantes debo resaltar lo hecho por Michelle Pfeiffer (quien está volviendo poco a poco de las sombras) como una mujer si bien amorosa algo cínica y autoritaria. Caso contrario tenemos a Ed Harris como su esposo, quien trata de ser alguien confiable y de buen corazón, pero se queda a medias de dicho plan.

¡Madre! entonces no me pareció una mala película como la quieren retratar. Extraña y bizarra totalmente, porque está hecha para hacerte volar la cabeza, y eso a veces, resulta muy bien. Por otro lado  no es lo mejor de Aronosfky ya que ‘Réquiem por un Sueño’ seguirá siendo (para mi) su obra más destacada. Sin embargo, como se mencionó, no será del agrado de muchos y no creo que de ese grupo cuando la vean, entiendan a la primera de que va la película. Va camino a convertirse en un filme de culto definitivamente, ya que su público no lo va a conseguir muy pronto. Eso sí, le va a costar.

Calificación: 3.3 de 5

El Veredicto…’IT’

Por: Cesar Cortez

Luego de varios pero varios meses de espera, tenemos por fin con nosotros, la nueva versión de IT, esta vez en formato cinematográfico ya que la versión original fue hecha para la televisión y, si bien, no es la película de terror que se anunciaba en la previa, la que algunos tildaban como “lo mejor en horror del 2017”, temo que fue un título enorme para lo que he visto. Su meta no era convertirse en dicha frase, sino mostrar un filme donde la valentía y la amistad se unen para derrotar aquello a lo que más tememos.

Desde un inicio, se nota que el director argentino Andy Muschietti no pierde el tiempo y va director al asunto que es el encuentro del pobre Georgie con Pennywise derivando en su desaparición, el móvil o, mejor dicho, el hilo por donde se mueve la historia, ya que su hermano mayor, Bill no descansara hasta encontrarlo o saber cuál es su paradero. Por tal, reúne a su grupo de amigos, apodados “Los Perdedores” para lograrlo, pero ellos en el fondo, no quieren hacerlo ya que desean vivir una vida normal y aprovecharla al máximo. El motivo por el cual insisten en continuar, es que son unidos, como “hermanos” y no se abandonan en ningún momento, solo que hay un gran problema: el miedo que los acecha tiene rostro, y es que aquel temor que cada uno posee. Su nombre: Pennywise.

La primera mitad del filme es la mejor de la película, en la que vamos viendo, y familiarizándonos, con cada uno de los personajes que son, obviamente, los del grupo de los “Perdedores”, en el que vemos su día a día y como cada uno tiene que lidiar su niñez o juventud. Muschietti, y se nota, es un fan confeso de Stephen King al haber retratado a este grupo de niños como fue aquel otro grupo que vimos en ‘Cuenta Conmigo’ (Stand By Me) o, si vamos por otro camino, nos encontramos con un guiño a Los Goonies, donde vemos ese salto abrupto de inocencia a madurez al emprender una misión en busca de lo desconocido, sin saber que era con lo que se iban a encontrar. Como bien dicen, solo ir en busca de la aventura.

Otro aspecto que es de resaltar es la línea del tiempo, ubicándola a finales de la década de los 80s, y no en los 50s como bien lo dicta la novela. Esto fue un gran acierto porque es la época del director donde pudo jugar con sus recuerdos (y los míos de paso) al estar más familiarizado con esos años. Como no recordar cuando íbamos a las salas de videojuegos y pasar horas frente a las máquinas de juegos o salir a montar bicicleta con los amigos o, simplemente, escuchar música de ese entonces donde la vida era más sencilla. Nostalgia pura. Vale agregar que en plena moda de Stranger Things, es un gran punto que se hizo la producción.

El problema que encontraran muchos al ver la película serán los momentos donde Pennywise (Bill Skarsgard) hace su aparición. Para todos aquellos que vieron el filme original o leído la novela, el personaje es un emulo de Freddy Krueger. Si bien, este “jugaba” con sus víctimas en sus sueños, Pennywise lo hace en la vida real, atormentándolos o haciéndoles pasar el peor de los momentos. Sin embargo, para alguien que ha visto los innumerables trucos que provocaba Freddy Krueger en todas sus cintas, ver lo que ofrece Pennywise, algunas muy obvias, no resulto ninguna sorpresa, y es ahí donde se ve la mano del director. Muchas saldrán un poco decepcionados de la participación del payaso, pero en el fondo esto tiene su explicación porque el no es el protagonista. El no es Freddy Krueger, no es Jason Voorhees, no es Chucky, el es un complemento de la cinta. Los protagonistas son los niños , los “Perdedores”, como bien se explica en el libro. Claro esta que pudieron hacer más con el pero se prefirio de esta manera. Con lo dicho debo decir que me quedo con el Pennywise encarnado por Tim Curry en la versión original. No hay más vuelta que darle. Habrá que esperar que vía es la que se tomara con el en la segunda parte.

Resalto mucho la idea de no haber colocado un “nombre” importante de Hollywood en la película, donde los mayores cumplen un rol secundario, o muy secundario, dejándole a los niños todo el protagonismo. Mucha atención a lo que ofrecen los pequeños Jaeden Lieberher (Bill), Jack Dylan Grazer (Eddie) y Finn Wolfhard (Richie), tal vez este último, el rostro más conocido del grupo por interpretar en Stranger Things (¿Coincidencia?) a “Mike Wheeler”.

IT al final de cuentas, resulto ser más un viaje al pasado y lleno de nostalgia, demostrando que la década de los 80s sigue muy vigente en nuestros días. Con lo mencionado no estoy diciendo que no haya momentos de terror, porque los hay, pero ese no es su fuerte, sino ver a este grupo de niños enfrentándose a lo desconocido y venciendo sus miedos. A esperar (con ansias) el segundo capitulo.

Calificación: 3.7 de 5