El Veredicto…’Anna: El Nombre Del Peligro’

Por: Karen Pérez León

Luego de trabajos tan asombrosos ofrecidos por el director francés Luc Besson como ‘El Quinto Elemento’ (1997) o ‘El Perfecto Asesino’ (1994), hoy considerados cintas de culto, ahora nos presenta Anna: El Nombre Del Peligro y, realmente, se queda entre las cintas de acción que entretienen, mas no trascienden.

La película, en primer lugar, da la impresión de ser una especie de remake de ‘Le Femme Nikita’, una de las primeras y más recordadas cintas de Besson, más no consigue llenar para nada las expectativas y deja un vacío lleno de saltos en el tiempo de la narración, que llegan a ser realmente tediosos e insufribles, pues resultan ser innecesarios.

Esto empeora con una trama floja y sin atractivo dramático ni emotivo, como sí sucedía con la mencionada cinta de 1990, a pesar de contar desde el inicio con armas poderosas como el suspenso, misterio, intriga y acción. No obstante, pierde sabor después de la primera parte de la historia y la deja demasiado extensa e incluso por momentos aburrida.

Asimismo, la actuación de Sasha Luss deja mucho que desear, debido a su falta de expresividad. Sus gestos son robóticos y no transmiten emoción alguna, situación que marca mucho a la cinta que no se puede sostener solamente de su impactante belleza porque eso sí no se puede negar: Sasha tiene una belleza indudable, que asombra a cualquiera. Mientras que la recordada “Nikita”, Anne Parillaud, no solo era bella, sino que conseguía transmitir muchísimo a la audiencia con su actuación visceral.

¿Algo más que decir? Pues sí. Los actores secundarios le roban el protagonismo a Luss, ya que tanto Luke Evans y Cillian Murphy, tienen un gran carisma que logra simpatizar rápidamente con el público, mientras que su jefa en la agencia, la gran Helen Mirren, se luce con su interpretación impecable, totalmente certera y aguda.

Otro dato relevante, mientras miraba la película, es que me hizo recordar a ‘John Wick’, o siguiendo en la senda femenina debo mencionar mejor ‘Atómica’, porque por ejemplo, en una de las escenas, la flamante protagonista pelea con un grupo de guardaespaldas y terminan rompiendo mesas, platos, vasos y demás, logrando salir del restaurante solo con algunos rasguños. Algo sorprendente y a la vez poco creíble si lo juntamos con otras escenas de acción, esta resulta de risa.

En conclusión, el filme es entretenido, tiene bastante acción, pero no le llega ni a los talones a la mencionada ‘Le Femme Nikita’, por lo que queda meramente como una cinta de una única escena de acción atrayente y una historia predecible, que aunque traten de negarlo, utilizando los saltos en el tiempo, lo único que consiguen es alargar la trama innecesariamente.

Calificación: 2.5 de 5

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El Veredicto…’Habia Una Vez En Hollywood’

Por Jesús Angulo

Había Una Vez En Hollywood, es la novena y posiblemente, penúltima cinta del director Quentin Tarantino, donde nos lleva a la época dorada del cine de los años 60s. En esta ocasión, la historia se centra en dos personajes, Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), un actor conocido por series de televisión, y Cliff Booth (Brad Pitt), su compañero y doble de acción. Juntos planean llegar a la cima de Hollywood y se encontrarán con distintos iconos del cine de la época, en especial, con la actriz Sharon Tate (Margot Robbie).

Cuando se habla de Quentin Tarantino, mayormente se habla del impacto que causó sus películas a inicios de los 90s. Todas aquellas poseen un sentido del humor peculiar, personajes excéntricos y caricaturescos, situaciones bizarras y ridículas, y violencia… mucha violencia. Y es que el director nunca se ha limitado a contar sus historias de una manera excesiva, rompiendo todos los límites del genero de drama, comedia y, últimamente, el western.

Pero, hay algo que no se debe ignorar del director, porque durante su filmografía, ha demostrado su amor por el séptimo arte, a través de referencias de clásicos de cine, y también aportando algo de lo suyo. De ese modo, se ha ganado un grupo de fanáticos, adictos a su gran capacidad de realizar escenas de violencia pura, lenguaje vulgar, destrucción, sangre, etc. Pero, también tiene admiradores que son amantes del cine que logran identificarse con él, por su dedicación y talento detrás de cámaras.

Habiendo dicho esto… el filme nos muestra a un Tarantino, como nunca hemos visto antes, o por lo menos no reconocido hasta hoy. Para ponerlo en simples palabras, esta es la película más madura y lenta que él haya hecho, decidiendo optar por contar la historia de una manera más moderada, calmada y totalmente opuesta a sus películas anteriores, pero, aun así, presenta las mismas características que cualquier fan de Tarantino identificaría.

Como siempre, la cinematografía y la iluminación es fantástica, todo el glamour y la elegancia de la época dorada se ve reflejada muy bien a través de la imagen. El estilo de vestuario y el diseño de producción está totalmente bien detallado y la música funciona a la perfección, dando el ambiente y la armonía sesentera a la cinta.

El reparto hace un excelente trabajo, la química entre los personajes de Rick Dalton y Cliff Booth es excelente, sus historias son absolutamente interesantes, y las actuaciones son magníficas. Cada personaje tiene un tiempo adecuado para brindar una gran interpretación y es súper entretenido de ver. Sobre los actores famosos de esa época, la forma en que los interpretan pareciese como si fueran los propios actores traídos al presente.

Como se mencionó anteriormente, la película es lenta y calmada, pero tiene un gran contenido cuya historia está estructurada de forma que cada escena podría ser su propio cortometraje, donde vamos conociendo a distintos personajes, unos más excéntricos que otros, y según como la historia se desarrolla, nos relacionamos más con ellos. Finalmente, el desenlace de la historia es una de los mejores momentos que Tarantino haya podido realizar, y que funciona a la perfección con la trama.

Supongo que el único problema que sufre esta película, es que seguramente dividirá a la audiencia. La gente que disfruta a Tarantino por los violento y vulgar que es, probablemente no les guste o no se siente identificado con la cinta; pero aquellos que aman el cine y la época dorada, estoy seguro que van a pasar un buen rato, simplemente hay que tomar en cuenta de cómo se presenta la película y cuál es su duración.

No hay que negar que es una película realizada con gran dedicación y esfuerzo, y eso no se podría esperar más de alguien tan apasionado por el cine como lo es Quentin Tarantino.

Calificación: 4.1 de 5

El Veredicto…’Infierno En La Tormenta’ (Crawl)

Por: Sergio Radicy

Sinceramente, cada vez los cines se invaden más y más de películas de terror genéricas, hasta las grandes productoras cada cuanto sacan una película mediocre que nos cuenta más de lo mismo y sinceramente cuando entré a las sala no estaba muy seguro de que esperar e inesperadamente me encontré con una película que me sorprendió, de una buena forma.

Además, que ponen en pantalla un villano no tan esperado en cintas como los cocodrilos, más relegados a cintas de serie B, pero esta vez ha sido tomado de una manera más seria. La verdad que me sorprendieron de una manera muy gratificante, nunca me hubiera esperado que sea un enemigo tan escalofriante.

La historia empieza un poco lenta, que podría ser la única parte floja de la historia, sin embargo nos plantea rápidamente cuál va a ser el principal conflicto, que es la proximidad de un tornado y nuestra protagonista debe encontrar a su padre, que esta desaparecido, antes que esta arrase con el pueblo donde se encuentran. La premisa es súper sencilla, pero mientras va avanzando la trama, hay un crescendo en la tensión, se siente un peligro latente y es aquí donde la película empieza a brillar y dónde, a mi parecer, comienza la historia. Todo el segundo acto se tratará de cómo la hija y su padre tendrán que escapar de cocodrilos que, los tienen rodeados y sin posibilidad de escapar y para agregar más suspenso, el tornado está cada vez más cerca y este hace que todo se inunde, ellos que están en el sótano, sin opciones de escapar tanto por los depredadores y sin mucho tiempo por la tormenta, se verán obligados a encontrar una forma de huir.

Lo que me gustó de la historia en sí, es que logra esa sensación de desesperanza en cada momento, cada intento de escapar tiene una pequeña estructura, que es casi como una mini historia en sí misma. Se les presenta una oportunidad para escapar, deben llegar hasta cierto punto para lograr escapar de los cocodrilos y de la inundación, pero ocurre algo que destroza completamente sus probabilidades de escape y en el transcurso de la película hay varios de estos momentos con este tipo de estructuras. Al principio lo aceptamos, porque obviamente la película debe durar, sin embargo están son situaciones que se seguirán repitiendo, lo cual podría considerarse como algo malo, y tal vez llegar a aburrir, pero aquí lograron emplearlo tan bien, que no es el caso. Es más, enriquece la cinta, puesto que ese sentimiento de desesperanza que mencioné anteriormente, te mantiene al borde del asiento con cada intento de escape, que piensas, “¿Y ahora qué harán? ¿Lograrán escapar? ¿Esta historia tendrá un buen final?”

Sobre la actuación de los protagonistas, Kaya Scodelario y Barry Pepper., son muy buenas, especialmente el trabajo de Scodelario, que te ayuda a meterte en la piel de la protagonista y estar en una constante tensión, logrando que simpatices muy bien con todo lo que ella está pasando.

Tengo que decirlo: lo que más disfruté de la película, es el gore que se emplea. El director no se retrae a mostrar escenas con mucha sangre, desmembramientos y muertes terriblemente sobrecogedoras y es que al estar producida por alguien cómo Sam Raimi, que es reconocido por películas cómo Evil Dead, puedes darte esas libertades y tener esa ayuda o guía de un director que es un experto en el área. Sin duda uno de los aspectos que le agregan un plus tremendo al filme.

Finalmente, la película es muy entretenida y con muchos momentos que te pondrán expectante de que es lo que va a pasar luego. Este es su fuerte y es lo que la hace muy recomendable si es que quieres pasar un buen momento de tensión.

Calificación: 3.7 de 5

El Veredicto…’El Convento’ (St. Agatha)

Por: Karen Pérez León

¡Por fin una película de terror sobre monjas que no toca temas sobrenaturales!

Cuando la fui a ver pensé que me toparía con la típica cinta sobre novicias y madres superioras que rezan intensamente porque están siendo atacadas por un ser oscuro. Pero, aquí viene lo interesante de esta historia: No tiene nada que ver con una maldición o un misterio que acaba con la vida de las habitantes del convento una a una.

En esta cinta se muestra la maldad pura del ser humano, que puede ser más aterradora que la presencia de entidades oscuras, como lo dice la conocida frase: “Hay que tener miedo de los vivos, no de los muertos”. Algo que se cumple al ser testigos de la crueldad de la que una persona puede ser capaz con tal de verse beneficiada económicamente.

Si bien no existe un terror real como lo indica el género de esta producción, sí hay horror por las torturas impuestas. Se ve mucha sangre, momentos realmente desagradables que pueden revolverte el estómago y acciones que te obligan a cerrar los ojos por lo impactantes que son. En más de una ocasión, tuve que voltear la mirada o lanzar un grito por el espanto.

El guion es flojo y predecible, aunque al inicio este problema no es tan notorio. Es en la segunda parte en que la narración decae totalmente e incluso aburre por ser repetitiva, aunque, se levanta con fuerza en la tercera parte. No obstante, para mí no fue sorpresa el descubrimiento de Mary. Siendo sincera, yo ya sabía de qué iba la historia y el porqué del comportamiento de las monjas.

La escenografía y el vestuario de los años 50s son bastante adecuados para la época, con tonos oscuros y lúgubres; lugares desgastados y simples. Ingredientes perfectos que son acompañados magistralmente por el trabajo fotográfico de Joseph White, quien propone tonalidades entre azules y grises para generar la sensación de desesperanza y encierro inevitable a la audiencia.

En cuanto a la actuación de Sabrina Kern como “Mary”, se puede decir que es penetrante por tener gestos que transmiten el horror y la angustia que está viviendo el personaje. Además, en los momentos de alta tensión, su actuación luce impecable al punto de creer realmente que no hay escapatoria del terrible convento. Todo gracias a la maravillosa guía de Darren Lynn Bousman, director de la segunda, tercera y cuarta parte de ‘El Juego de la Muerte’ (Saw) y ‘Repo’ (2008)

Pero es Carolyn Henesse, quien interpreta a la Madre Superiora, la que se roba el protagonismo, de tal manera que llegas a odiarla y a desear que pague por todos sus “pecados”. Lamentablemente, para el esperado enfrentamiento entre Sabrina y Carolyn, no sucede interacción alguna entre ellas, lo que deja al público insatisfecho y decepcionado.

¡SPOILER! El final es para nada atractivo, ya que no se explica qué sucede después de que Mary logra escapar del convento, ni qué sucede con la Madre Superiora. Por ello, mi consejo es que si buscas una cinta que te haga perder el sueño, esta no es para nada tu película. Pero, si eres de los que aman la sangre y las escenas de tortura, entonces debes verla. No te la puedes perder.

Calificación: 2.7 de 5

El Veredicto…’El Muñeco Diabólico’

Por: Cesar Cortez G.

Cada vez que Hollywood anuncia que realizará una nueva versión de una película, que para mi gusto puede ser una de mis favoritas, o le tenga mucho cariño o respeto, se me escarapela el cuerpo de solo pensar el resultado que esta puede tener. Si de historia hablamos, pues termina siendo un producto inferior o muy inferior al original, y salvo excepciones, se termina salvando de esto porque tiene alguna idea arriesgada y una historia novedosa que la puede respaldar. Sorprendentemente, en este grupo se encuentra el remake de Chucky: El Muñeco Diabólico.

Por si no conocen de que trata, esta vez tenemos a un muñeco llamado “Buddi”, que es lo último en inteligencia artificial, hecho por la empresa Kaslan y el juguete más deseado por todos en el mercado. Este puede conectarse con cualquier aparato del hogar que tenga la misma tecnología, ya que puede encender el televisor si lo desea, la radio, o traerte tus libros. Es decir, algo parecido al “Alexa” de Amazon. Sin embargo, uno de estos muñecos llega “defectuoso” al hogar de Andy Barclay, cuando su madre le da uno de estos, el cual se autodenomina “Chucky” y, según su programación, “será su mejor amigo por siempre”. Esta frase, aunque suene ridículo, será el detonante de muchas cosas, porque el muñeco lo cumplirá a carta cabal, literalmente, cuando su amo esté en peligro o se vea amenazado, por más indefenso que esto sea. La fidelidad será demostrada al 100%.

Voy a ser honesto al confesar que cuando se dio a conocer la noticia del remake, y sobre todo, vi las imágenes del nuevo “Chucky”, no le alberga esperanzas a este proyecto, pero en realidad me parece una de esas sorpresas que ni te esperabas, especialmente de un filme que le tengo bastante cariño porque crecí con él, y veo sus filmes de cuando en cuando por televisión. La idea que ahora sea un producto con la mejor tecnología es buena, y no lo había visto así en un principio, pero la manera en que es explicado y se desenvuelve lo hace más creíble que el origen de la cinta original, porque es algo que puede suceder, y te la crees, porque si es que es programado por alguien que no tiene idea de lo que hace, puede convertirse en un verdadero peligro.  Ya lo descubrirán al ver la película.

Otro punto que pensé que iba a ser inverosímil es el nuevo Andy Barclay, quien ya no es un niño de seis años que deseaba tener un muñeco de su personaje favorito cueste lo que cueste, sino que ahora tiene doce años y le cuesta un poco hacer nuevos amigos, especialmente si eres el chico nuevo de la ciudad. Por tal, su madre le da el muñeco para que empiece a socializar y se compenetran ambos mundos muy bien, y Andy lo ve como un ser humano, ya que le cuenta sus cosas y pasan muchos momentos por igual, que no hace ni presagiar lo que vendrá después. “Buddi”, o mejor dicho “Chucky”, se convierte así en una versión robótica de “E.T.”, ya que este Andy como el recordado “Elliot”, tienen algunas cosas en común.

Pero, lo que más temía “Chucky” se hace realidad, cuando Andy empieza a hacer amigos y él, si bien no es apartado para nada, ya no es una relación de pareja, sino que ahora debe ser compartido con el resto, y al ser un producto defectuoso, empieza a canalizar ciertas cosas. Por ejemplo, hay una escena donde Andy se pone a ver una película de terror con sus amigos, y “Chucky” la ve también y este la empieza a procesar, y al ver que Andy se divierte viéndola, este cree que es algo gracioso, dándose uno cuenta que no distingue bien lo que es el bien y el mal. Lo que viene después, es todo un muy buen homenaje a dicho filme.

La película no trata de ser seria ni nada por el estilo, y eso tiene que ver en la dirección que Lars Klevberg le imprime, quien ha entendido que no pretende ser una copia de la original ni mucho menos, pero que puede ser igual de graciosa o tener momentos ridículos como lo tuvo tanto la original y sus secuelas. Si muchos aceptamos esto, porque no aceptarlo también en este producto. Lo único malo del filme es su último cuarto, que no es bien desarrollado, y pudo serlo, pero al parecer las ideas se quedaron a medias, porque, al menos yo, esperaba una conclusión mejor elaborada y más arriesgada.

Esta nueva cinta no pretende ser una joya del cine de terror, que no lo es, pero que cumple con lo que el “exigente” espectador de estos tiempos pide: tener sus escenas de miedo y terror y pasar un buen momento. Si vas a verla con bajas expectativas, como fue mi caso, te puedes llevar una buena sorpresa. Es una de las tapadas del género en lo que va del año sin ninguna duda. Una última recomendación: si eres fan de Mark Hamill, si “Luke Skywalker” de ‘Star Wars’, debes ver la película  en su idioma original, porque el da la voz a “Chucky” y le da un toque bastante peculiar. No te lo puedes perder.

Calificación: 3.3 de 5

 

Lo retorcido y lo oscuro: El aniversario de Batman de Tim Burton y la rebeldía en el cine de superhéroes.

Por: Luis Augusto Venegas Gandolfo

Probablemente, la película que brilló (u oscureció) el mundo cinematográfico de superhéroes. El primer filme de Batman, dirigido por Tim Burton, fue un golpe muy duro para los fanáticos del hombre murciélago e inició una nueva etapa en todo el universo DC y Warner Bros. Pero, ¿Qué fue lo que ocurrió?

Tim Burton, luego de su sorprendente película ‘Beetlejuice’, tuvo en sus manos el privilegio de dirigir la película de Batman. Obviamente, la era de Adam West estaba latente y lo groovie era normal para este cruzado enmascarado en la televisión. Sin embargo, el mundo del cómic estaba pasando a una era de plata bastante fría y oscura, donde apareció un nombre conocido en la actualidad: Frank Miller.

Este escritor, y dibujante, tenía dos obras muy significativas. El cómic “Año Uno”, donde explican el origen de Batman con la muerte de sus padres y el entrenamiento que tuvo para convertirse en defensor de Ciudad Gotica; y “El Regreso Del Caballero Oscuro”, que presenta a un Bruce Wayne retirado, mayor en edad, que decide volver a usar el traje. Ambas historietas fueron las únicas que tomó Tim Burton para realizar esta obra pues, lamentablemente, no le gustaba leer cómics y vio en las obras de Frank Miller una verdadera novela gráfica.

Con esta base, tenemos a un Batman oscuro, serio y con una gran actitud de justicia y de pocas palabras. Tim Burton, decidió que el actor sería Michael Keaton. Como mencioné antes, la generación de Adam West seguía latente, y hubo un fuerte escándalo ante la ausencia del Sr. West, creando huelgas entre los batifanaticos en las puertas de los estudios de Warner Bros.

Eso no evitó que el director tome sus decisiones y continúo el actor de ‘Beetlejuice’ como el misterioso Playboy Bruce Wayne. En estos momentos, se tuvieron dos tipos de rupturas, el tipo de personaje que se presentará y el tipo de historia que apreciara el público. Esto, no detuvo al director que siguió haciendo sus “fechorías”.

La presencia de Jack Nicholson cómo el Joker fue sorprendente pero a la vez comprensible. Se tiene a “Beetlejuice” como Batman, pues se requiere a otro loco como Jack Nicholson. Tim Burton aclara que tanto Batman y el Guason son un par de locos, pero con diferente enfoque. Batman es un loco introvertido que busca ser perdonado por sus padres al no ser valiente vistiéndose como murciélago. Por otro lado, el Guason solo desea el caos, ser reconocido, convirtiéndose en un loco extrovertido.

Esta historia no puede tener un gran final sino fuera por su música. Danny Elfman, el reconocido compositor de Burton, crea la tercera ruptura desapareciendo por completo la música del Batman de la tele (nananananana…), consiguiendo un tema oscuro, sinfónico y una delicia para los oídos. La participación del chelo y el violín, desde inicio hasta el fin, crea un ambiente perfecto en esta obra y la ambientación llega a mostrar a esta nueva Ciudad Gotica, con su oscuridad perpetua y acechada de crímenes y locos.

La obra estuvo lista y los resultados del público fue de múltiples enfoques teniendo frases como “es muy oscura” de manera negativa y “es oscura” de manera positiva y triunfal. Las consecuencias de la película fueron muchas, desde una nueva serie animada con el diseño de Bruce Timm y una gran acogida a héroes con este enfoque de lo macabro, y luego ocurrio lo que se pensaba, que una segunda parte estaría muy pronto en las salas.

Si bien las personas elogian la trilogía de Nolan, Batman de Tim Burton rompió con todo el estado de este superhéroe en el cine y se volvió este género mucho más importante hasta el día de hoy. Un riesgo que hizo un cambio en la visión de los espectadores y de los ya considerados fanáticos.

El Veredicto…’La Piel Fria’

Por: Jesús Angulo

La Piel Fría es una cinta de drama y horror, dirigida por Xavier Gens. Basada en la novela homónima de Albert Sánchez Piñol, trata sobre un hombre misterioso que opta por el aislamiento, dirigiéndose a una extraña isla donde conoce a un veterano quien vive en dicho lugar desde hace  un tiempo, y se ven amenazados por unas peligrosas criaturas marinas que salen durante la noche.

No estoy familiarizado con la novela y, a decir verdad, desconocí el lanzamiento de esta película que fue hace dos años, pero en lo que si tengo experiencia es en ver películas que unen los géneros de drama y horror, y también algo de supervivencia, lo cual es interesante y genera muchas expectativas de tener cierto potencial, o en el peor de los casos, destacar en solo uno de ellas.

Sin embargo, sentí que esta película utiliza solo el concepto más básico de estos géneros, por lo menos en la primera mitad, puesto que en su segunda parte, introduce también un tono de misterio, pero no logra funcionar ya que la historia se torna predecible llegando pronto al desenlace de esta.

Afortunadamente, la cinta resalta bastante en los aspectos técnicos. Tiene una excelente cinematografía y manejo de cámara. Muestra cada parte de la isla de una manera majestuosa, y también puede notarse en varios casos el uso de iluminación natural, lo cual es algo muy arriesgado, pero que funciona muy bien para la presentación.

El diseño de sonido está muy bien realizado, el estruendo de las olas y del aire, forman una gran presencia para la película, y su banda sonora , en ocasiones, es magnífica. Provoca un gran sentimiento de aventura, aunque cuando se trata de las escenas de terror, suele escucharse muy genérico.

En cuanto a los personajes, los dos personajes son bastante básicos y tan poco interesantes, y no me molestaría eso de no ser por el hecho de que la película intenta demasiado en mostrar que tan profundos y complejos son ellos dos, pero al final, se sienten estereotipados. Los diálogos se sienten fuera de lugar y hay casos donde la interacción de estos parece extraída de la novela misma, utilizando expresiones y mensajes que estarían bien en el ámbito literario, pero no en un guion cinematográfico.

En conclusión, la novela muestra un gran potencial para una adaptación al cine, sin embargo, siento que esta película intentó ser algo más genérico y simple para llegar a otros públicos. No hay duda que la presentación es excelente, visual y auditivamente, pero eso no se aprovecha al momento de crear momentos dramáticos o de tensión. Por el contrario, en vez de eso, hay varios clichés envueltos como jump scares que perjudican mucho a la cinta. Para los amantes del cine de terror y el drama, es recomendable pero no esperen algo muy original o autentico.

Calificación: 3 de 5